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lunes, 20 de octubre de 2014

HISTORIA DEL DANZÓN CUBANO

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Estimad@ lector/a:

Hoy quiero compartir contigo la trascripción un estudio, basándome en unas maravillosas fuente cubanas, con el fin de conocer a fondo de dónde viene, cómo empezó, de la mano de quienes y cómo evolucionó el género del Danzón.





El Danzón hijo de la habanera y baile de pareja enlazada


Fuentes: http://www.tunet.cult.cu/pagsec/municip/manati/barbarito/paginas/danzon.htm http://danzoteca.es.tl/Historia-del-danz%F3n.htm

Hacia 1855 se bailaba en Matanzas un baile de cuadrilla, al que llamaban Danzón.

Nacimiento


Según Miguel Faílde (1852-1921), quien años después sería uno de los protagonistas de su desarrollo:

"Se bailaba por aquel tiempo en Matanzas un baile de cuadros -yo me imagino que se refiere a una coreografía más o menos sencilla en torno a este baile- que llevaba el nombre de Danzón.

Este baile lo formaban hasta veinte parejas provistas de arco y ramos de flores. Era realmente un baile de figuras y sus movimientos se ajustaban al compás de la Habanera, de la cual provienes y que es el compás verdadero que debe dársele al Danzón.

El que dirigía este baile de figuras [se refiere a Luis Simpson] me invitó a que escribiera una música a medida, pues hasta entonces las parejas ejecutaban las figuras cantando a viva voz.

Y al escribir esa música se me ocurrió la idea del baile que hoy se llama Danzón.

Lo escribí y puse en ensayo. Gustó a todo el mundo, es decir, a los músicos y a los bailadores, y se hizo popular en muy corto tiempo"
.

De este Danzón coreográfico de que habla Miguel Faílde, la prensa de la época reseñó uno efectuado en Matanzas en 1872.

Cinco años después el compositor matancero daba a conocer sus primeros danzones.

Al respecto dice Alejo Carpentier:

"Enunciado por Saumell, el Danzón quedaba consagrado como nuevo tipo de baile por el músico matancero Miguel Faílde, que compuso en junio de 1877 cuatro danzones titulados El delirio, La ingratitud, Las quejas y Las alturas de Simpson.

Se dijo que Faílde había "inventado" el Danzón, sin tenerse en cuenta que se editaron danzones -ya calificados de tales- en fechas muy anteriores. Lo que ocurrió fue que, en un principio, el Danzón apenas si difirió de la contradanza, en lo que a música se refiriere"
.



Así el Danzón, baile de pareja enlazada, sustituyó a la *contradanza, que era baile de figuras.

*Contradanza. Género musical que su origen se halla en la contradanza francohaitiana llegada a Cuba en 1789, después de la revolución francesa, por inmigrantes franceses blancos, negros y mulatos provenientes de Haití y de otras migraciones de franceses de Luisiana y Nueva Orleáns. Paulatinamente fue tomando características criollas, influyendo en este proceso los músicos que la interpretaban, porque adaptaban o reorganizaban el ritmo de la contradanza europea.


Desarrollo


Hacia 1878, la difusión del Danzón era tal, que en el teatro Albisu se organizó, por el Centro de Cocheros, Cocineros y Reposteros de la Raza Negra, un concurso de danzones. Además, las orquestas de Faílde, en Matanzas, y de Raimundo Valenzuela, en La Habana, ejecutaban, además del Danzón, otros géneros de la música cubana como rumbas, guarachas, boleros, punto de clave y guajiras.

El compositor y musicólogo Eduardo Sánchez de Fuentes, quien negó -no obstante haber reconocido que el danzón era un género nacional-, la presencia africana en nuestra música, no advirtió, sin embargo, que en los danzones de Faílde hay un abundante y deliberado uso del cinquillo, que nos llegó con los negros franceses emigrados desde Haití a Santiago de Cuba y que se cubanizara en el nuevo baile.

El danzón, tal como se tocó a partir de 1880, "es una mera ampliación de la contradanza, con las puertas abiertas a todos los elementos musicales que andaban en la isla, cualquiera que fuera su origen".

En su introducción de ocho compases repetidos hay una evidente influencia de las contradanzas de Manuel Saumell.

Se inicia, en ocasiones, con un tema de aspecto clásico, que corresponde, pese a su título de introducción, a la prima de la contradanza.

La segunda parte, o parte de clarinete, se trabaja casi siempre sobre el cinquillo; se repite la introducción, y después se pasa a la parte de violín, más melódica, "que hace de adagio", y cierra con el período inicial.

Esta fórmula está completamente definida en los primeros danzones de Miguel Faílde, "dotándose, pues, la contradanza de un nuevo período de dieciséis compases".

Este esquema se mantiene hasta principios del siglo XX, en que al danzón se le agregó una cuarta parte, o coda, muy movida, tomada generalmente de algunos de los géneros de la música afrocubana, tales como la rumba y el pregón, o de un son.

En cuanto a sus formantes, según Emilio Grenet, en el danzón podemos encontrar el mismo contraste de movimiento que en la forma clásica: allegro-andante-allegro.

Este género está escrito en compás de 2/4, y el baile se inicia con una introducción de ocho compases, que se repite hasta hacer un total de dieciséis antes de entrar en la parte de clarinete.

No existe interrupción entre una y otra parte, sin embargo, la primera es más movida que la segunda, pues, como indica su nombre está escrita para la agilidad que suele tener el clarinete, y en la charanga, que no suele tener este instrumento, su parte pasa a la flauta de madera de cinco llaves, que suena en su tesitura más aguda, y cuyo virtuosismo en pasajes escritos con figuraciones rápidas, hace que el ejecutante luzca su técnica.

En las dos primeras décadas del siglo XX, el danzón es proclamado Baile Nacional de Cuba, y durante casi cuarenta años, no hubo acontecimiento social o político, que no fuera tema de un danzón, como el advenimiento de la República en 1902; la celebración de elecciones o la primera guerra mundial, como en los danzones La toma de Varsovia y Aliados y alemanes.

Por otra parte, los compositores de danzones utilizaron temas de óperas, zarzuelas, cuplés españoles, boleros de moda, rag-time; es decir, que al danzón pasaba todo elemento musical aprovechable; incluso melodías chinas, como la que utiliza José Urfé en El bombín de Barreto; y este mismo compositor emplea una escala pentatónica en El dios chino; también Raimundo Valenzuela, en Los chinos y Eliseo Grenet, en Espabílate.

En cuanto a su formato instrumental, la contradanza, la danza y el danzón, son la base sobre la cual surge el primer prototipo de agrupación instrumental popular: la orquesta típica o de viento, la cual en los inicios del siglo XIX estaba integrada por un cornetín en la, un trombón de pistones o cilindro en do, un *figle en do, un *bombardino en do, dos clarinetes en do, dos o más violines, un contrabajo, un par de timbales o pailas criollas y un *güiro o calabazo.


*Figle:Instrumento musical de viento de la familia de los metales, de forma larga y estrecha, formado por un tubo cónico de metal doblado y provisto de un número variable de orificios y llaves (de 9 a 12). Tiene sonoridad grave.
Inventado a principios del siglo XIX por un músico francés, suele sustituirse por la tuba en las orquestas actuales.

*Bombardino: Instrumento musical de viento parecido a la tuba pero de menor tamaño, sonido menos grave y con varias válvulas.
El bombardino se ha utilizado profusamente en bandas militares, municipales y escolares desde el siglo XIX.

*Güiro o calabazo: Instrumento musical de percusión formado por una calabaza hueca de forma alargada y con estrías horizontales que se toca rascándolo verticalmente con un palo pequeño, una varilla metálica o una baqueta.
El güiro se usa especialmente en la música popular latinoamericana.


Compositores del Danzón cubano


Los compositores más destacados para este tipo de formato fueron: Miguel Faílde, Rafael Landa, Raimundo Valenzuela, Enrique Peña, Jorge Anckermann y José Urfé.

A la orquesta típica o de viento la sustituyó otra, llamada charanga, integrada por clarinete o flauta de madera de cinco llaves, violín, contrabajo, timbal y güiro; endicho período este tipo de orquesta no utilizaba el piano (en este caso se decía que tocaba "al pelo" (sin piano), y en algunas de ellas se incluía el arpa cubana (de origen peruano o mexicano).

Fue José Doroteo Arango y Padrón (Pachencho), quien mantuvo hasta el final de su vida la última charanga con arpa que se escuchó en La Habana.

En el siglo XX surgió el otro prototipo de formato instrumental del danzón: la charanga francesa (su antecedente fue la Unión Armónica, de Matanzas, que en 1890 tocó en la Glorieta Saratoga, con los instrumentos siguientes: piano, flauta, violín y contrabajo) integrada por flauta de madera de cinco llaves, piano, violín, contrabajo, timbal criollo y güiro o calabazo; posteriormente se agregó un segundo violín, y cuando las circunstancias lo permitían, incluían un cello y una viola. En el caso de la orquesta de Antonio María Romeu, en ocasiones adicionaba clarinete, trombón, trompeta (uno de sus trompetistas fue Mario Bauzá) y un cantante. Hubo orquestas, como la del Ateneo, que utilizó seis violines, dos flautas, cello, contrabajo, piano, timbal, güiro y un cornetín con sordina.

El danzón fue introducido en La Habana por Miguel Faílde, Antonio Torroella (Papaíto) y Raimundo Valenzuela. Los nombres de Torroella, Leopoldo Cervantes y Antonio María Romeu, se confunden en la capital con el origen de la charanga con piano . Los compositores más destacados para este formato fueron: Antonio María Romeu, Octavio Alfonso (Tata), Ricardo Reverón, Armando Valdés Torres, Jacobo Rubalcaba, Eliseo Grenet, Abelardito Valdés, Antonio Sánchez Reyes (Musiquita), Silvio Contreras, Orestes López, Israel López (Cachao), Enrique Jorrín y Félix Reina. Fueron José Urfé y Raimundo Valenzuela quienes completaron la estructura ulterior del danzón, al introducir, en el último trío, un nuevo elemento rítmico: el son.

En este período el son venía imponiéndose y, en cierta medida, fue desplazando al danzón que a su vez daba paso a un nuevo género, si bien de corta vida, importante: el danzonete, del matancero Aniceto Díaz, quien estrenó en Matanzas, en 1929, la primera obra de este género: Rompiendo la rutina. La primera parte tenía los mismos elementos constitutivos del danzón; la segunda se cantaba y era en un tempo más movido (son).

En 1924 Antonio María Romeu compone su danzón Marcheta, en el que utiliza un ritmo a contratiempo llevado por el timbal, mientras el resto de los instrumentistas tocan a tiempo. Esto fue después empleado por otros compositores de danzones. El propio Romeu escribe en 1926 Tres lindas cubanas, en el que aparece por vez primera un solo de piano. En 1937 Abelardito Valdés estrena un danzón que hizo época: Almendra, que en 1956 fue llevado a tiempo de mambo por Dámaso Pérez Prado, y posteriormente ejecutado por el músico venezolano Aldemaro Romero.
El camino estaba expedito para que surgiera la orquesta Arcaño y sus Maravillas (que cuando tocaba en la radioemisora Mil Diez, ampliado su instrumental, sobre todo las cuerdas -llegó a utilizar ocho violines y dos cellos-, era llamada Radiofónica), con la que Arcaño trabajó ininterrumpidamente desde 1937 hasta 1958 en que se disolvió. Con la orquesta de Arcaño surge el danzón de nuevo ritmo. Sin embargo, en él no varían las tres partes del género, este sigue con una parte para la flauta y otra para los violines, pero en la tercera, el guajeo o montuno, logra un contrapunto entre la flauta y los violines. En este tipo de danzón la flauta inspira a placer, con gran virtuosismo, sobre el motivo armónico; se cambia la rítmica en el timbal y el güiro, que es más marcado, más exacto; se introduce la tumbadora en la charanga y así se consolida el set percusivo, se amplían las cuerdas, y la armonía y la melodía son más complejas. Con todo esto cesa el predominio del piano como instrumento solista único. El virtuosismo vigente en la orquesta de Arcaño ya existía desde la época de Antonio María Romeu, quien de acuerdo al talento que tuviera el intérprete, le daba posibilidades para que se destacara -recuérdese que fue Romeu el que introdujo el solo de piano en el danzón. En este detalle de la improvisación puede notarse la influencia que el jazz venía ejerciendo en la música cubana, incluso las jazz-band ejecutaron danzones; dos ejemplos de ello son el danzón Cicuta tibia, de Ernesto Duarte, y Bodas de oro, de Electo Rosell (Chepín). También en México el danzón fue cultivado, y un músico cubano importante radicado en Veracruz, Consejo Valiente (Acerina), fundó allí la orquesta Acerina y su Danzonera, que introdujo elementos de la música mexicana en el género cubano, sobre todo por el uso que hizo de las trompetas y su agudo sonido, que años después, Enrique Jorrín incorporaría a su charanga para ejecutar en aquel país el chachachá.

El danzón también fue llevado al plano de la música sinfónica, y Darius Milhaud utiliza en la "Obertura" de su Saudades do Brazil, el danzón Triunfadores, de Antonio María Romeu; Aaron Copland incluyó en su Salón México una parte titulada "Danzón", y Leonard Bernstein, en su ballet Fancy Free, incluye una parte del danzón Almendra, de Abelardito Valdés. Compositores y pianistas como Chucho Valdés, Emiliano Salvador, y Gonzalito Rubalcaba, han creado y recreado el danzón con una armonía y sonoridad contemporáneas, no sólo en obras para piano, sino también para orquesta y otros formatos instrumentales.



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miércoles, 15 de octubre de 2014

ACORDES DEL BOLERO CORAZÓN LOCO

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Estimad@ lector/a:

Antonio Machín (1903-1977) hubiera cumplido cien años en 2003, en el 25º aniversario de su muerte y en vísperas de su centenario se le homenajeó con un proyecto en que se incluyó un documental dirigido por Núria Villazán, un libro biográfico y un disco, el título de esta triple edición fue "Machín. Toda una vida". Joan Manuel Serrat participó en el documental, en su intervención ante la cámara que se grabó en la popular Antena 3, en la calle Tallers esquina con Rambles, Serrat comentaba: "La figura de Machín está ligada a la cultura sentimental de la radio, que suponía una pequeña ventana por donde penetraba la luz en unos tiempos muy sombríos. Con esa luz entraba la voz de Machín, la de Juanito Valderrama, la de Concha PiquerJuanito SegarraJorge SepúlvedaBonet de San Pedro,Lorenzo González... Corrían tiempos de hambre, privaciones y miedo. Cuando yo tuve uso de razón, Machín ya estaba consolidado en la memoria sentimental de la gente. Nos conocimos en 1965, cuando actuábamos en la radio (y cobrando, que entonces se cobraba por actuar: la radio era un flotador mientras se esperaban tiempos mejores). Yo era entonces un artista emergente y él pasaba una época algo difícil. Aunque nunca dejó de trabajar, sufría un cierto declive de popularidad, ya que un nuevo tipo de música parecía arrasarlo todo. Lo llevaba con dignidad y logró remontar aquel período gracias a la moda camp, recuperando su aureola mítica". Serrat admite haber "aprendido mucho de Machín y de la música que él hacía. Porque Machín era una esponja tremenda, en la cual cabía 'El manisero', 'Angelitos negros' y el repertorio de Oswaldo Farrés. También podía cantar guarachas con idéntica y pasmosa tranquilidad. Se lo sabía todo. Y alrededor de aquellas canciones, que eran historias, nacieron las vidas sentimentales de las gentes. Machín resultó fundamental".




CORAZÓN LOCO
Antonio Machín

                                   Lam
No te puedo comprender
              Mi
corazón loco,
                                  Mim7
no te puedo comprender
                 Lam
y ellas tampoco.

La7
Yo no me puedo explicar
cómo las puedes amar
              Rem
tranquilamente
                                   Lam       
yo no puedo comprender
                                 Si7
cómo se pueden querer
                           MI
dos mujeres a la vez,
Mi7           Lam
y no estar loco.

           Sol7               Do
Merezco una explicación
                         Fa
porque es imposible
                        Mi
seguir con las dos


Estribillo
                             Lam
Aquí va mi explicación,
pues me llaman sin razón
              Mi
corazón loco
                             Mi7
una es el amor sagrado
compañera de mi vida
                                  Lam
esposa y madre a la vez.

La7
La otra es el amor prohibido,
complemento de mis ansias
                                  Rem
y a quien no renunciaré..
                                 Lam
y ahora puedes tú saber
                                 Si7
cómo se pueden querer
                            Mi
dos mujeres a la vez
Mi7
y no estar loco.



Aquí va mi explicación
pues me llaman sin razón
corazón loco,
una es el amor sagrado,
compañera de mi vida
esposa y madre a la vez.

La otra es el amor prohibido,
complemento de mis ansias
y a quien no renunciaré..

y ahora puedes tú saber
cómo se pueden querer
dos mujeres a la vez
y no estar loco

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miércoles, 8 de octubre de 2014

1er. CONGRÉS D'HAVANERES 18 D'OCTUBRE DE 2014

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miércoles, 1 de octubre de 2014

CÓMO COMPONER UNA HABANERA

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El arte de componer una habanera


Si te fijas, las grandes habaneras son sencillas. Pero llegan. Y llegan porque la simbiosis entre la letra y la música producen una magia irrepetible.

Una magia a la que nadie puede sustraerse. Un hechizo que no sabes por qué se te mete en la mente y en el corazón.


¿Por qué pasa esto?


Sencillamente porque en esa habanera hay una letra genial.

En la canción, la importancia de la letra es sublime. La música actúa como la ropa que viste esa letra y explica el sentimiento que la letra está expresando en cada momento.

La letra manda a la música qué discurso melódico debe adoptar en cada pasaje, en cada estrofa. Si la música obedece ese mandato, podemos afirmar que la simbiosis se va a producir indefectiblemente.

¿Entonces.. qué es primero, la letra o la música?


Yo siempre he compuesto la música sobre una letra. Excepto en "Les quatre banderes", en la que hice una música sin saber aún que Miquel Martí Pol había hecho el poema para que yo un día lo descubriera y pusiera cada sílaba debajo de cada nota que ya tenía. Fue genial.

Pueden surgir de cualquier manera, incluso las dos a la vez, en un parto excelso como decía Joan Manuel Serrat, pero si la letra es primero ya te está indicando qué quiere, qué necesita.

Los tonos Mayor o menor también te los dice la letra. Sin más.


Estructura de la letra de una habanera


No se puede "habanerizar" cualquier letra. Hay que componer pensando en que se va a crear una habanera. Sabemos que este género se caracteriza por un compás de 2x2 o cualquier otro binario.

La letra debe ser concebida de manera que los acentos prosódicos coincidan lo más posible con los acentos musicales. En una habanera y en todo. Pero en una habanera más todavía para evitar el "esdrujulismo" o el "agudismo" innecesarios.

Me refiero, como ejemplo, al villancico: " Mariá, Mariá, ven acá corriendó, que el chocolatiyó se lo están comiendó". ¿Si?

Teniendo en cuenta estas premisas, pon tu corazón al servicio de un tema y escribe a priori lo que te salga intentando desde un buen principio dar ese compás de habanera a lo que escribas.

Si tienes un día inspirado y te surge una composición literaria larga, resúmela con lo mejor de la misma a la estructura A-B-Estribillo-A-B+Coda como máximo. Una canción no debería durar mas de 4 minutos.

Si te aflora una letra corta dale estructura A-Estribillo-B-Estribillo-Coda. Por corta no te preocupes, lo importante es lo que comunicas. Toma como ejemplo "Luz que Brillas".


La música de una habanera


Va a depender de tu inspiración en ese momento y va a tener tu estilo propio siempre.

Pero como te decía anteriormente, te recomiendo que antes de poner ni una sola nota en el pentagrama leas la letra 3 veces. Sintiéndola, dejando que cada mensaje de la misma llegue a tu corazón.

No intentes poner música a una letra simplemente fraseando o aplicando la "pregunta-respuesta". Eso en canción no sirve para nada. No llega.

Deja que la letra te diga por donde debe ir la música, qué ropa quiere ponerse y busca esa ropa en el corazón.

¿El tema es divertido? Si escuchas la letra, y digo "escuchas" a sabiendas, te saldrá si quererlo una música alegre, en tono Mayor. Seguro.

Si el tema es triste o melancólico te surgirá irremediablemente un discurso en menor. Hazte caso.

Después de haber escuchado la letra unas cuantas veces sin hacer nada, en tu interior ya se ha creado, aún inconscientemente, el discurso melódico que va a contar esa historia.


Escribe la música sin darle más vueltas


Empieza a escribir las notas que te va mandando la letra desde el corazón y déjala reposar. Que descanse en tu interior. Puedes emplear el tiempo que necesites para crear la melodía, pero después deja de escucharla durante unos días.

Cuando la retomes sentirás que es esa, exactamente esa, la música que necesita esa letra, ya lo verás. Será tu versión, única e irrepetible, de esa habanera.

Entonces habrá llegado el momento de armonizarla. El superior momento de vestirla.

Disfrútalo.


Instrumentación


En cualquier canción se puede utilizar cualquier instrumento. Eso hará genuina la creación, pero si que es verdad que cada género posee tradicionalmente una instrumentación que lo identifica como perteneciente al mismo.

En el género de la habanera y basándonos en sus orígenes, el instrumento identificativo es la guitarra. El sonido cálido y emotivo de la misma y su capacidad polifónica es suficiente para arropar una pieza.

Sin embargo, la incorporación del acordeón ha aportado el aire marinero, porteño, que refuerza el discurso melódico y el acompañamiento de la voz con un notable éxito debido a las nuevas sensaciones que proporcionan sus registros. Un buen acordeonista puede establecer un diálogo perfectamente detectable entre las voces y el mismo, obteniendo una sensación de marcha armónica preciosa.

Por otra parte, la inclusión del contrabajo en los arreglos de habaneras dota de un lecho armónico excelente al asegurar auditivamente la percepción de los acordes que se van sucediendo, así como el afianzamiento rítmico de la habanera.

También juega un papel importante el piano, instrumento total, que por sus características musicales puede dotar de supremo lecho a la narración cantada.

Y por último, la percusión. Los ritmos sincopados con una tumbadora y unas claves, por ejemplo, proporcionan una esponjosidad y un aire ancestral, africano, caribeño a la habanera.


Entonces.. cuál elegir?


Yo los eligiría todos. Los cinco. Sin problema.

Cuando no se conocía la electricidad la luz de una vela o un candil era lo más apreciado por la noche. Tras el descubrimiento de ésta, el Mundo se revolucionó positivamente.

Con esto quiero decirte que si utilizas bien la instrumentación, sea la que sea, será gratamente recibida por el oído y conferirá a la habanera un valor musical innegable, mucho más que con una guitarra sola.

Elige la instrumentación que desees en base a las sensaciones que quieres transmitir, siempre en función del texto, y crea. Sin más.

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Nada más por hoy.

Un abrazo fuerte.

Ahora te toca a ti. Coméntame. Y comparte.




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miércoles, 24 de septiembre de 2014

Epílogo, bolero

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